Música del Mundo: Madredeus

 Madredeus es un grupo musical portugués, formado en 1985 por Teresa Salgueiro (voz), Pedro Ayres Magalhães (guitarra clásica), Rodrigo Leão (sintetizadores), Fernando Judice (guitarra acústica), Gabriel Gomes (acordeón) y Francisco Ribeiro (violonchelo); más tarde se incorpora José Peixoto (guitarra) y se marcha Rodrigo Leão, siendo sustituido por Carlos Maria Trindade.

En 1985 Pedro y Rodrigo, amigos y colegas musicales, deciden crear un nuevo grupo musical de raíces portuguesas, pero sin recurrir a los fados (expresión más conocida internacionalmente de la música portuguesa). Por aquel entonces, ambos estaban inmersos en otros grupos (Pedro en Herois do mar, Rodrigo en Sétima legião), pero buscaban nuevos horizontes en expresión musical y artística. Pronto se unieron dos amigos más: Gabriel, experto en acordeón, y Francisco, un violonchelista con gran capacidad vocal. Sin embargo, al grupo le faltaba algo, un elemento inspirador de aquellas canciones que hablaban del mar, de la tierra, de sueños. Hicieron muchas audiciones, pero no encontraron a nadie y, ya por vencidos, Rodrigo y Francisco decidieron descansar en una taberna del Barrio Alto, lugar típico de encuentro de jóvenes en Lisboa. Allí se encontraron una voz y con la fuente de inspiración de Madredeus, una joven de diecisiete años llamada Teresa Salgueiro, que cantaba fados por pura diversión. Fue el principio de todo

El 4 de abril de 1998 Madredeus presentó en concierto el material incluido en su disco: O Paraíso. De aquella sesión realizada en el foro del Coliseo Oporto de Lisboa queda memoria en el álbum doble Oporto (Emi), recién aparecido.

Material marcado con la fuerza expresiva de las precisas guitarras de Pedro Ayres y José Pixoto, y la privilegiada voz de Teresa Salgueiro.

El fado es un género musical tan indefinible como el estado emocional que en portugués se llama saudade. Pariente del bolero, pero quizá más sutil. Fue el fado lo que unió a Madredeus. Una noche de octubre de 1986 un grupo de amigos entró a un bar del Barrio Alto de la ciudad de Lisboa. Una mujer cantaba un tradicional fado, es la voz que los amigos necesitan, la que buscaban para interpretar su original repertorio de canciones. Teresa Salgueiro tenía entonces 17 años y era vocalista de un grupo de rock.

Discos como barcos

Las razones del éxito de un grupo como Madredeus son muchas, la primera es su originalidad. Cuando la tradición se recupera y se le dota de un nuevo sentido se crea una obra original y de fuerte raigambre.

Para muestra basta un botón: "A Tempestade", una dulce canción dedicada a los hombres que hacen su vida en el mar.

"El viaje de estas naves musicales con bandera de Madredeus comenzó al inicio de la década de los 90 con Existir, continuó en 94 y 95 con la embarcación Espíritu de Paz y se afirma en nuestros días con la caravela latina y fantástica que llamamos O Paraíso", dice Pedro Ayres, guitarrista y corazón creativo de Madredeus.

A finales de 1986 los músicos y la cantante llegaron a Xabregas, al oriente de Lisboa, a ensayar en un ala del convento Madre de Deus. Poco a poco los ensayos se convierten en sesiones de trabajo colectivo compartidas por amigos del grupo al que todos llaman Madredeus.

La música de Madredeus empezó a circular en casets, se trata de una prueba realizada con la intención de presentarla a las disqueras. Ese material llegó a manos de Miguel Esteves Cardozo, entonces joven escritor y periodista, quien a través de un texto publicado en el semanario Blitz, da a conocer al público a ese misterioso grupo que hace canciones de noche en el viejo convento de Madre de Deus.

El primer concierto de Madredeus marcó el rumbo, un cortocircuito en el Aula Magna de la Universidad impidió que el grupo usara amplificadores. Su música cobró entonces el carácter que la distingue, esa fuerza íntima de lo acústico, que estremece. Ideal para la privilegiada voz de Teresa Salgueiro.

Por aquellos días, Pedro Ayres definió la ruta que Madredeus tomaría en el curso de los años al decir: "Nuestras canciones han surgido más o menos de improvisaciones. Fueron creadas en una atmósfera de gran calma y algunas como ejercicios diseñados para practicar nuestros instrumentos juntos. En nuestros conciertos tratamos de relajar la tensión que existe entre la audiencia y los músicos. Queremos darnos el tiempo de crear nuestra música en el escenario, de manera que la gente que nos escucha pueda acompañarnos en este acto de creación".

Amanhã (Mañana)

La vida no me abandona
el mundo no se me escapa
El camino es grande y largo
me quito el albornoz
camino a la luz del día
por campos y montañas
y bebo el agua fría
y la sed no me agarra
y el cielo allí es lindo
Azul, y yo no lo resisto
al cielo, al cielo profundo
distante,
y yo insisto
mañana
mañana
mañana
mañana

Con un estilo simple y especial, cada una de sus canciones evocan sentimientos de paz, mar, tranquilidad, amor y tormentas, la vida dentro de los sitios pesqueros de Portugal, ciudades y amores portuarios, tempestades que barren con la vida misma o la hacen más grande y sensacional.

 

El sueño

Quién contar
Un sueño que soñé
No cuento todo que encontré
Contar un sueño es prohibido

Soñé
Un sueño con amor
Y una ventana y una flor
Una fuente de agua y mi amigo
Y no había nada más...
Solamente nosotros, la luz, y nada más...
Allí es donde murió el amor

Amor,

Amor que traigo en secreto
En un sueño que no voy a contar
Y cada día es más sentido

Amor
Yo tengo amor bien escondido
En un sueño que no se contar
Y lo guardaré siempre conmigo.

El nombre del grupo viene dado del lugar de ensayo, el Teatro Ibérico al lado del Convento de Madre de Deus, en la zona oriental de la ciudad de Lisboa. Al principio de tocar, la gente que iba a los ensayos decía "¿me puedes llevar hasta Madredeus, al concierto?" y poco a poco fue derivando hacia "me llevas a Madredeus", quedándose así como nombre definitivo del grupo.

Se han presentado a lo largo y ancho del planeta, pero sobre todo, en su patria Portugal, en el teatro coliseo de la ciudad de Lisboa, en México (México, Guadalajara, Monterrey y una ocasión en Zacatecas) con la presentación de su último disco como grupo “Um amor infinito”.

Actualmente cada uno se desempeña por separado en sus respectivos proyectos, Teresa Salgueiro continúa su carrera como solista, cantando fados junto a otros artistas de la talla de Ana Carolina (otra gran voz portuguesa).

De la escultura

Considerado por algunos teóricos como el principal escultor de la escuela florentina quattrocentista, Donatello  ha pasado a los anales de la historia del arte por su excepcionalidad como artífice, además de por la maestría que destilará a la hora de conciliar el más puro clasicismo con un dramatismo que, a finales de su vida, se tornará cercano incluso al feísmo.

                             

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) fue uno de los escultores italianos más importante de la época del Quattrocento, también creador del estilo renacentista junto con Alberti, Masaccio, etc. Tenía interés por la Antigüedad, su punto de vista era más popular que erudito.

El motivo fundamental de su obra fue la figura humana, a la que represento en todas las edades, desde la infancia a la vejez, y en todas las actitudes, desde la más serena a las más dramáticas. Donatello demostró su maestría en todo tipo de creaciones, tanto en estatuas como en relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato y trabajó el mármol como el bronce, e incluido la madera policromada. Una de las primeras obras escultóricas de Donatello fue la de San Jorge: 

                                

 

Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia. La gravedad y el realismo de estas monumentales figuras de mármol contrastan vivamente con la gracia y el decorativismo del gótico internacional, el estilo vigente en Europa hasta entonces. Donatello comenzó esta serie en 1411 con el San Marcos y la concluyó en 1436 con el llamado Zuccone. A esta serie pertenece también el San Jorge, su primera obra famosa, de la que Vasari afirmó: «Posee el maravilloso don de moverse dentro de la piedra».

 

 Preocupado por el movimiento y el naturalismo desde los comienzos de sus trayectoria, en 1410 el encargo de una escultura para un nicho de la fachada de Or San Michele le va a permitir continuar ensayando modos de representación de la estatuaria de gran tamaño, dando lugar a la ejecución, entre otras obras, de un San Marcos o un excepcional y plenamente renacentista San Jorge (1417). Se cree que sobre estos años comenzaría también la realización, por encargo de la familia Cavalcanti, de la Anunciación de Santa Croce (aunque existen autores que datan la ejecución de esta pieza bastante más tarde, en la década de los cuarenta) y procedería a esculpir las estatuas para el Campanile florentino.

  

 

  David en bronce, realizado hacia 1435 para el palacio que los Médici poseían en la Vía Larga florentina

 

"Judith y Holofernes" (original) 1455; Sala dei Gigli, Palazzo Vecchio, Florencia, Italia.

La influencia clásica es patente en el refinamiento, el modelo y los ropajes de las figuras (se ha querido ver en ocasiones incluso la influencia de Fidias en dicho conjunto), las cuales resumen una sensibilidad en el gesto, teatralidad en la representación y perfección en la ejecución que debieron por fuerza dejar asombrados a sus contemporáneos.

La preocupación por la representación de la figura humana en todas sus dimensiones, edades y actitudes se puede ver reflejada a lo largo de su evolución, siendo particularmente peculiar en su obra la oscilación existente entre sus primeras obras de corte clasicista y las últimas, de carácter mucho más expresionista (en ocasiones llega incluso a dejarlas inacabadas, uniéndose este hecho a la suma de elementos en común que ha dado pie a una comparación entre su obra y la de Miguel Ángel posteriormente).

 

Responsable de una de las primeras estatuas ecuestres del Renacimiento, deudora en su tipología de modelos clásicos romanos asimismo, el dramatismo que refleja la actitud y el rostro del personaje en cuestión (el Gattamelata o "Gata Melosa") es una muestra de la corriente trágica por la que discurrirá su producción última (y de la que será ejemplo su Mª Magdalena del Baptisterio de Florencia). 

 Maria Magdalena

Además, Donatello no elude la representación de la vejez o la fealdad, consustanciales ambas al individuo, llegando a producir estatuas que superan cualquier ideal propuesto con anterioridad, caso de su magnífico Profeta Hababuc, también llamado el Zuccone ("el calvo").

 

Entre 1430 y 1433 Donatello pasó algunas temporadas en Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista. En el tercer periodo, el de su culminación, Donatello se alejó de la influencia clásica y puso mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción. Ejemplos notables de la escultura de esta época son Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua), El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio), primera estatua ecuestre ejecutada a tamaño natural, en bronce, desde la antigüedad, y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia). Las obras de Donatello influyeron en la escultura de Florencia y del norte de Italia durante el siglo XV. Representó también un impulso importante en el desarrollo realista de la pintura italiana, sobre todo en la obra del gran artista de Padua Andrea Mantegna.  

 

 Estatua ecuestre a " Gattamelata"   Ciudad de  Padua

A través de sutiles juegos de luz y sombra las figuras podían estar organizadas en una ilusión de profundidad, donde los grupos de figuras, el paisaje y los elementos arquitectónicos se superponen una detrás de otra en innumerables superposiciones, imposible con las técnicas tradicionales.

Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de san Lorenzo.

 

Tumba de Donatello
Museo de la Santa Croce

VINCENT VAN GOGH

Van Gogh entendía la pintura como una vía para modificar la sociedad y como vehículo de salvación personal. Fue un personaje difícil en su relación con los demás y en lo económico, fue un fracasado en cuanto a lo amoroso. En el trabajo tampoco le fue demasiado bien y le hubiera sido difícil sobrevivir de no ser por la caridad de su hermano Théo.

Se enfrenta desde una óptica muy personal a una vida que para él resulta frustante. Los niveles que alcanzó le llevaron al suicidio, en una de sus últimas cartas manifiesta abiertamente cómo la pintura le estaba llevando a la destrucción.

(Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 - Auvers-sur-Oise, Francia, 1890)

Pintor holandés. Vincent Van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de toda la vida es el testimonio de la intensidad de esta relación.

Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, con dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon.

El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señaló el inicio de una primera etapa creativa. Tras un rechazo amoroso, se volvió cada vez más solitario, hasta que en 1878 se vio impelido por la necesidad de entregarse a sus semejantes, y tras intentar estudiar teología, decidió satisfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros.

Hacia 1880, tras ser expulsado por su excesiva implicación, descubrió en la pintura su auténtica vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad. En los primeros años de la década de 1880 estudió con diversos pintores, entre los que cabe destacar a Anton Mauve. Su rápida evolución y el conocimiento de los impresionistas lo llevaron a abandonar la enseñanza académica y a reunirse con Theo en París en 1876.

Su hermano le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin, y esta situación coincidiría con la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del postimpresionismo. Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujo a trasladarse a Arles, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.

Con la pretensión de crear el grupo de los "impresionistas del sur", Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses y en la que Gauguin pasaría dos meses. La primera crisis mental, en la que se cortó parte de la oreja izquierda, tuvo lugar en la Navidad del mismo año 1888.

LA CRISIS
 

Gauguin es invitado por Van Gogh a pasar las navidades del 88 en su casa. Pronto surgen desacuerdos y fricciones entre ellos. Gauguin se burlaba de la candidez de Van Gogh y arremetía contra su modo de pintar, asegurando que los verdaderos temas eran aquellos que se terminaban en taller y no al aire libre. El 23 de diciembre estalla la gran crisis. Van Gogh, agotado por las impertinencias de Gauguin intenta agredirle con una navaja de afeitar, sin embargo, su acumulado resentimiento le lleva a mutilarse la oreja. Había nacido el primer síntoma de su desequilibrio.
     

 En mayo de 1889 es internado en un manicomio de Saint Rémy. Allí, permaneció un año alternando la alucinación con momentos de tranquilidad. En ningún momento dejó de pintar, las obras de este periodo evidencian sus tensiones y desequilibrios. Trigales y cipreses se hacen frecuentes en la producción de este tiempo. Las llamaradas oscuras y la pincelada crispada y nerviosa permite descargar su tensión interior. La naturaleza que le atrae es trémula, con escabrosos accidentes de terreno. Predominan las visiones tétricas y lúgubres que distorsionan la realidad. También realiza copias de los grandes maestros a partir de grabados en blanco y negro. Su recluimiento no le impide el realizar algunas de sus obras más importantes. 
 

   

 Después, Van Gogh sale del manicomio y se establece en Auvers, donde lo acoge el conocido Doctor Gadchet, amigo de su hermano Théo. En Auvers-sur-Oise pasó sus últimos meses, abrumado por la soledad, se dio un tiro el 27 de julio de 1890 del que muere dos días después.

La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arles.

Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste, viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por el doctor, y pintor aficionado, Paul-Ferdinand Gachet.

En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes. Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró debido a los sentimientos de culpa provocados por la dependencia de su hermano Theo y por su fracaso profesional. Sumido en esta situación de angustia, el 27 de julio Van Gogh se descerrajó un disparo en el pecho; murió dos días más tarde.

OBRAS REPRESENTATIVAS, TÉCNICA Y UBICACION ACTUAL

• Los comedores de patatas, 1885, óleo sobre lienzo, 81´5 x 114´5 cm, Amsterdam, Rijksmuseum Vincent Van Gogh, Fundación Van Gogh.
• Retrato de Père Tanguy, 1887-1888, óleo sobre lienzo, 65 x 51 cm, Colección Stavros S.Niarchos.
• L´Arlesienne: madame Ginoux con libros, 1888, óleo sobre lienzo, 91´4 x 73´7 cm, Nueva York, The Metropolitan Museum of Art.
• El café nocturno de la Place Lamartine de Arlés, 1888, óleo sobre lienzo, 70 x 89 cm, New Haven (CT), Yale University, Art Gallery.
• Terraza del café de la Place du Forum en Arlés por la noche, 1888, óleo sobre lienzo, 81 x 65´5 cm, Otterlo, Rijskmuseum Kröller-Müller.
• Doce girasoles en un jarrón, 1888, óleo sobre lienzo, 91 x 72 cm, Münich, Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Neue Pinakothek.
• El puente de Langlois en Arlés con lavanderas, 1888, óleo sobre lienzo, 54 x 65 cm, Otterlo, Rijskmuseum Kröller-Müller.
• La noche estrellada, 1889, óleo sobre lienzo, 73´7 x 92´1 cm, Nueva York, The Museum of Modern Art.
• La habitación de Vincent en Arlés, 1889, óleo sobre lienzo, 56´5 x 74 cm, París, Musée d´Orsay.
• La catedral de Auvers-sur-Oise, 1890, óleo sobre lienzo, 94 x 74 cm, París, Musée d´Orsay.
•  Retrato del doctor Gachet con rama de dedalera, 1890, óleo sobre lienzo, 68 x 57 cm, París, Musée d´Orsay.

EL EXPRESIONISMO

Arte Gotico

El Arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas.
Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.

EL ARTE GÓTICO

El Arte gótico es un  estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas.

Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.

BARROCO CHURRIGUERESCO: FACHADA DE LA CATEDRAL BASÍLICA DE ZACATECAS.

Después de la fundación de la ciudad de Zacatecas, la ahora catedral basílica fue frontispicio, cuando la ciudad era habitada por solo 50 familias hispanas.

La ciudad contaba con cinco iglesias, pero ninguna de bóveda, aunque ya se tenía pensado o trazado  una en algún lugar del territorio zacatecano. De estas cinco solo una ostentaba el titulo de parroquia, en el año de 1549.

Fue hasta 1559 cuando se levanto una iglesia de adobe, en donde se encuentra la actual catedral, donde oficiaba misa un sacerdote secular, dedicada a la Virgen de la natividad, la virgen de los mineros.

En 1585, Gonzalo de Cabañas se encargo de crear el reloj que adornaría a la iglesia. También para este año el Rey Felipe II otorgo el titulo a la ciudad.

Algunos autores creen que el albañil al que se encomendó hacer la remodelación de la iglesia fue francisco Jiménez, el mismo que hizo el puente nuevo de Tacuba entre los años de 1610 y 1612.

Fue el papa Pío IX quien le dio el nombre de Catedral en el año de 1862, y como Basílica el Papa Juan XXIII en 1959.

La piedra rosa esta finamente tallada, sus detalles son de un barroco churrigueresco.

La portada se divide en tres cuerpos y cinco calles, en las que están colocadas cada una de las figuras que la adornan. La fachada tiene tres temas principales: la Eucaristía, la Trinidad y la Virgen.

La Eucaristía

El Sacramento Eucarístico hace que los creyentes se unan a Cristo. El acto no aparece específicamente, se supone que el tema de la eucaristía si aparece en la fachada, por los santos que aparecen, su colocación, además toda la simbología que tiene.

En las doce calles se encuentran los apóstoles de las quince que componen la portada.

En el primer cuerpo se encuentra Jaime o Santiago el Mayor, seguido de San Pedro, San Pablo y San Andrés; el segundo cuerpo solo se distinguen dos de cuatro apóstoles.

En la segunda calle está San Juan Imberbe y en la quinta se encuentra San Mateo.

El  tercer y último cuerpo esta Simon Sierra en la primera calle, en la tercera, Jesús y en la cuarta el apóstol Felipe.

En la segunda y quinta calle de este mismo cuerpo es imposible identificar las dos figuras de los personajes que faltan por falta de atributos.

Esta escena representa la ultima cena de Jesús con sus apóstoles, cada uno de los cuerpos esta adornado con símbolos como: uvas que representan el vino, la vasija redonda que sostiene Jesús con su mano izquierda es posible que represente la copa que ofrece a sus discípulos para que beban en ella y reciban la sangre “que lavara los pecados del mundo”.

La custodia también esta puesta en la fachada (elemento indispensable de la eucaristía) estratégicamente en el centro, del marco del rosetón.

Su base es la forma de una cariátide (figura femenina esculpida, con función de columna  o pilastra) con las manos hacia arriba sosteniendo la figura, esta adornada por uvas y una corona, esta rodeada por ángeles y dos de ellos portan incensarios en sus manos. Todas las figuras pueden ser caracterizadas por la última cena que tuvo Jesús con sus discípulos.

Están las uvas (vino), maíz (pan), los apóstoles alrededor de Jesús colocados en los tres cuerpos, la custodia que representa el cuerpo de Cristo (convertido en pan).

Los Apóstoles serían uno de los elementos principales en las iglesias Zacatecanas, representan la propagación de la religión católica a los paganos con el fin de convertirlos.

Según la Biblia estos personajes fueron seguidores de Jesús, quienes propagaron la fe por todo el mundo.

La Trinidad

Se representa por los tres personajes simbólicos, Dios padre, Dios hijo y Dios espíritu santo. El primero siempre es dibujado con aspecto de anciano, lo que representa la experiencia que ha tenido y poder lograr todo.

Este personaje representa la imagen plena, una figura puede ser cincelada o dibujada en la parte superior de algunos de los retablos, su imagen siempre expresa autoridad, su fisonomía esta dibujada con barba de anciano y tunica suelta; con la mano derecha bendice al pueblo y en la izquierda sostiene una esfera con una cruz al centro, la que representa al mundo.

Los primeros artesanos cristianos tuvieron muchas dificultades para plasmar las imágenes de Dios padre, ya que no tenían ninguna referencia del físico de este.

Es hasta el renacimiento cuando aparece la figura representada como un anciano que representa sabiduría y las túnicas holgadas sin adornos. Se dice que esta figura podría confundirse con las figuras clásicas (Grecia y Roma) por el parecido que podría tener con Júpiter y Zeus.

La figura de Jesús estará siempre representada con túnicas romanas o bizantinas, denotando las únicas características que se conocen de él, bondad, humildad y amor incondicional.

La imagen de Jesucristo es la más representativa de la cristiandad y puede estar representada con otras figuras como: la Virgen, Dios padre, el Espíritu Santo, San Juan Bautista o los Apóstoles, en otras ocasiones se representa como un pez que se asocia con el agua bautismal y los Apóstoles por que ellos eran pescadores.

En otras ocasiones se representa como un cordero que representa la bondad, la fidelidad y el sacrificio, es por ello que lo nombra Juan Bautista “el cordero de Dios”.

En la fachada de Catedral, el padre se encuentra sentado sobre el roleo (elemento decorativo realizado mediante elementos enrollados), arriba de la imagen se encuentra un dosel en forma de corona o tiara papal. Su fisonomía es totalmente renacentista.

El Dios hijo esta colocado verticalmente al padre en el tercer cuerpo, tercera  calle.

El espíritu santo se encuentra debajo de Jesucristo, verticalmente, debajo de un dosel adornado con flores y hojas de acanto, en el Segundo cuerpo.

La Virgen

La Virgen estaba considerada en Segundo término como una de las imágenes icnográficas del cristianismo.

Aparece en la fachada de la catedral de Zacatecas, en la advocación de la Virgen de la Asunción.

Después del renacimiento comenzaron a pintarse imágenes pero existía el problema de no saber como eran sus facciones, los artistas la pintaban como se la imaginaban, sufriendo transformaciones desde una adolescente, hasta una mujer madura pero jamás anciana.

En la fachada, la imagen de la virgen parece no tener gran relevancia ya que es muy pequeña y difícil de ubicar, sus rasgos se asemejan a las indígenas, viste una corona de hojas de acanto, túnica larga que cubre su piel, las mangas tienen pequeños agujeros en forma de rombos, sobre sus hombros y espalda cubre una capa. Esta colocada sobre una luna, sus manos están juntas en posición de oración, rodeada por ángeles y dos de ellos hacen la función de elevarla al cielo.

 

Se cree que esta advocación puede representar a la virgen la de la Asunción, la del Apocalipsis o la Inmaculada.